ENGLISH

A KISS tells the story of a young man dancing his way across the rooftops to his first kiss with a
new lover.

DEUTSCH

A KISS erzählt die Geschichte eines jungen Mannes, der sich tanzend über die Dächer zu seinem ersten Kuss mit einer neuen Liebe bewegt.

ENGLISH
THE DUST OF MY CONCRETE CHILD is a video catalogue consisting of seven short films that portray seven 
different perspectives of intimacy and violence. Stripped from their usual social and emotional contexts, intimacy is understood and explored as a fragile state and violence as a brutal force not as an act of aggression.
The series follows seven dancers as they navigate through different narratives and atmospheres on a dystopic but poetic journey filled with sensations of discomfort, loneliness, fragility, vulnerability, and desire. While the films form a connected universe, each portrait stands fully on its own. Every portriat (short film) offers a distinct perspective on the topic.

PORTRAIT 2: VICIOUSNESS AND VULNERABILITY
This dreamlike portrait follows the seven dancers on an incoherent journey of trying to find belonging and rest in a constantly shifting environment. Exposing yourself to intimacy is vulnerable and demands you to trust. Viciousness as a misleading development can make you doubt this trust. A search of finding comfort and rest in a loaded space of ever changing perspectives where innocence and intimacy are constantly on the verge of getting violent and vicious.

PORTRAIT 5: EMPTINESS AND VOID
The void is an empty space with no tangible anchor points. Being stuck in isolation the dancers are confronted with themselves, they are falling into their own world, collapsing, floating and suffocating under the force of a crushing loneliness. On an emotional journey this film captures them longing for response, spiraling to a point where their perception blurs and the physical memory of their own bodies disappears. They lose control of themselves as if their identity is slowly vanishing.

DEUTSCH
THE DUST OF MY CONCRETE CHILD ist ein Videokatalog, der aus sieben Kurzfilmen besteht und sieben verschiedene Perspektiven auf Intimität und Gewalt zeigt. Losgelöst von ihren üblichen sozialen und emotionalen Kontexten wird Intimität als ein fragiler Zustand verstanden und erforscht Gewalt als eine brutale Kraft, nicht als ein Akt der Aggression. Die Reihe folgt sieben Tänzer*innen, die sich durch unterschiedliche Erzählungen und Atmosphären auf einer dystopischen, aber poetischen Reise bewegen, erfüllt von Empfindungen von Unbehagen, Einsamkeit, Zerbrechlichkeit, Verletzlichkeit und Verlangen. Während die Filme ein zusammenhängendes Universum bilden, steht jedes Porträt vollständig für sich. Jedes Portrait (Kurzfilm) bietet eine eigenständige Perspektive auf das Thema.

PORTRÄT 2: BOSHEIT UND VERLETZLICHKEIT
Dieses traumähnliche Porträt folgt den sieben Tänzer*innen auf einer inkohärenten Reise, auf der sie versuchen, Zugehörigkeit und Ruhe in einer sich ständig verändernden Umgebung zu finden. Sich Intimität auszusetzen ist verletzlich und verlangt Vertrauen. Bosheit als irreführende Entwicklung kann dieses Vertrauen infrage stellen. Eine Suche nach Geborgenheit und Ruhe in einem aufgeladenen Raum sich stetig wandelnder Perspektiven, in dem Unschuld und Intimität ständig am Rand von Gewalt und Boshaftigkeit stehen.

PORTRÄT 5: LEERE UND NICHTS
Das Nichts ist ein leerer Raum ohne greifbare Ankerpunkte. In Isolation gefangen, werden die Tänzer*innen mit sich selbst konfrontiert, sie fallen in ihre eigene Welt, brechen zusammen, treiben und ersticken unter der Kraft einer erdrückenden Einsamkeit. Auf einer emotionalen Reise zeigt dieser Film ihre Sehnsucht nach Resonanz, spiralförmig bis zu einem Punkt, an dem ihre Wahrnehmung verschwimmt und die physische Erinnerung an ihre eigenen Körper verschwindet. Sie verlieren die Kontrolle über sich selbst, als würde ihre Identität langsam verblassen.

ENGLISH
In the vast placenta that is our atmosphere, three inhabited bellies communicate.
This film is a chance encounter, an ode to multiple bodies.

DEUTSCH
In der weiten Plazenta, die unsere Atmosphäre ist, kommunizieren drei bewohnte Bäuche.
Dieser Film ist eine zufällige Begegnung, eine Ode an multiple Körper.

ENGLISH
What does togetherness actually mean? How can we overcome what separates us – arbitrary societal categories, masks, social distancing, technologies, screens, walls, borders, skin – and mostly ourselves? How can we encounter the other and create caring and nurturing relationships in a hostile and increasingly digitalized world? How can the boundaries between separate intimacies and physical spaces be diluted?
This video was created during the first COVID-lockdown in 2020 and is a reflection through movement on how we can connect with ourselves and with each other in a world and society that pushes people into limiting social categories, individualism and isolation.

DEUTSCH
Was bedeutet Zusammengehörigkeit eigentlich? Wie können wir überwinden, was uns trennt – willkürliche gesellschaftliche Kategorien, Masken, soziale Distanzierung, Technologien, Bildschirme, Wände, Grenzen, Haut – und vor allem uns selbst? Wie können wir dem Anderen begegnen und fürsorgliche und nährende Beziehungen in einer feindseligen und zunehmend digitalisierten Welt schaffen? Wie können die Grenzen zwischen getrennten Intimitäten und physischen Räumen aufgelöst werden?

Dieses Video entstand während des ersten COVID-Lockdowns im Jahr 2020 und ist eine Reflexion durch Bewegung darüber, wie wir uns selbst und einander in einer Welt und Gesellschaft verbinden können, die Menschen in einschränkende soziale Kategorien, Individualismus und Isolation drängt.

ENGLISH
The film BUTTERFLY uses dance as a medium of expression to convey the experience of individual anxiety. It depicts various perspectives of anxiety and delves deeper into the physical and emotional sensations that a person witnesses when confronted with this state of mind.

The film depicts the contrast between feeling alone and feeling connected. It expresses the sense of disconnection, loneliness, and inner intensity compared to the external experience. Despite these feelings, the film portrays the moment as vibrant and beautiful, reminding us that our vulnerability is part of what makes life magical. It suggests that there is nothing to defeat; you don’t have to win this battle. In fact, we may need to learn how to lose.

DEUTSCH
Der Film BUTTERFLY nutzt Tanz als Ausdrucksmittel, um die Erfahrung individueller Angst zu vermitteln. Er zeigt verschiedene Perspektiven auf Angst und taucht tiefer in die körperlichen und emotionalen Empfindungen ein, die ein Mensch erlebt, wenn er mit diesem Geisteszustand konfrontiert wird.

Der Film stellt den Kontrast zwischen dem Gefühl des Alleinseins und dem Gefühl von Verbundenheit dar. Er drückt das Empfinden von Entfremdung, Einsamkeit und innerer Intensität im Vergleich zur äusseren Erfahrung aus. Der Film zeigt den Angstmoment als lebendig und schön und erinnert uns daran, dass unsere Verletzlichkeit Teil dessen ist, was das Leben magisch macht. Er legt nahe, dass es nichts zu besiegen gibt; man muss diesen Kampf nicht gewinnen. Tatsächlich müssen wir vielleicht lernen, zu verlieren.

ENGLISH
The dancers in BREATHLESS are symbols of the themes that run through every relationship, such as balance, power, trust, and greed. The film is created as an infinite loop and shot in a fully enclosed circular space, reflecting the cyclical nature of life and relationships.

In 2023, Scottish Ballet did a call-out to its own company of dancers, asking them to pitch ideas for a short film that they would like to create and choreograph, with support from the production team and in-house film director Eve McConnachie. Three short films were produced; Breathless, How Much Squid is Too Much Squid? and Shadowash.

DEUTSCH
Die Tänzer in BREATHLESS sind Symbole für die Themen, die in jeder Beziehung vorkommen, wie Balance, Macht, Vertrauen und Gier. Der Film ist als unendliche Schleife gestaltet und in einem vollständig geschlossenen, kreisförmigen Raum gedreht, was die zyklische Natur von Leben und Beziehungen widerspiegelt.

Im Jahr 2023 startete Scottish Ballet einen Aufruf an seine eigene Compagnie von Tänzer*innen, Ideen für einen Kurzfilm einzureichen, den sie selbst kreieren und choreografieren möchten, mit Unterstützung des Produktionsteams und der hauseigenen Filmdirektorin Eve McConnachie. Es entstanden drei Kurzfilme: Breathless, How Much Squid is Too Much Squid? und Shadowash.

ENGLISH
August 2020. The world seems to have come to a standstill. The coronavirus pandemic has changed the lives of people around the world. It is during this time that choreographer Cathy Marston and director Felix von Muralt meet for a film project. Cathy Marston improvises for the camera on the banks of the River Aare in Bern, Switzerland. The music was specially composed by Philip Feeney and performed by violinist Sara Trickey, accompanied by Philip Feeney on the piano. Dress by Bernese fashion designers, Viento.

DEUTSCH
August 2020. Die Welt scheint zum Stillstand gekommen zu sein. Die Coronavirus-Pandemie hat das Leben von Menschen auf der ganzen Welt verändert. In dieser Zeit begegnen sich die Choreografin Cathy Marston und der Regisseur Felix von Muralt für ein Filmprojekt. Cathy Marston improvisiert für die Kamera am Ufer der Aare in Bern, Schweiz. Die Musik wurde eigens von Philip Feeney komponiert und von der Violinistin Sara Trickey aufgeführt, begleitet von Philip Feeney am Klavier. Das Kleid stammt von den Berner Modedesignern Viento.

ENGLISH
A Glint Of Light On Broken Glass
a poetic, trancelike video work, inspired by writings of Audre Lorde by Andrea Hackl.

DEUTSCH
MOONLIGHT – A Glint Of Light On Broken Glass
Ein poetisches, tranceartiges Video, inspiriert von den Schriften von Audre Lorde, von Andrea Hackl.

MOONLIGHT ist, während es durch Schatten taucht, eine Ode an das Licht, ihren urtümlichen Tanz, der in manchen Legenden als der Tanz gilt, der das Universum erschafft. Die Arbeit umarmt eine urtümliche Kraft und feiert das Heilige Weibliche.
„Für jede von uns als Frau gibt es einen dunklen Ort in uns, wo unser wahrer Geist verborgen und wachsend emporsteigt… Diese Orte der Möglichkeit in uns selbst sind dunkel, weil sie alt und verborgen sind; sie haben überlebt und sind durch diese Dunkelheit stark geworden. In diesen tiefen Orten hält jede von uns ein unglaubliches Reservoir an Kreativität und Kraft, an ungeprüften und unaufgezeichneten Emotionen und Gefühlen.“ – Audre Lorde

Partly at the end of the film program a Q&A takes place with the filmmakers of the program, choreographers, producers, curators or partners.
You are welcome to ask anything you would like to know about the film program, the platform DANCE ON SCREEN and its partners, as well as dance filmmaking in general. – We look forward to the exchange with YOU!

The Q& A language is English, German, French depending on the location.

Moderation: Andrea Boll (Director, DANCE ON SCREEN) / DOS – Team